Un vagabundo llega a una ciudad con la idea de iniciar una nueva vida.Pronto se dará cuenta de que la ciudad no es más que un nido de víboras donde el mal campa a sus anchas por las calles, dominadas por The Drake y
sus dos hijos. Ante este panorama, el vagabundo se armará con una escopeta y comenzará a repartir justicia a su manera, limpiando las calles de toda la escoria que infecta la ciudad.
Ojo a los pósters, cada uno mejor que el anterior...
Señoras y señores, damas y caballeros, hoy toca que nos hagamos eco de una grata sorpresa, una de esas películas de la que apenas esperas nada pero que, por uno u otro motivo, acaba sorprendiéndote y divirtiéndote. Y además, en mi caso, me ha gustado horrores y ya ocupa un lugar en mi "hall of fame" de películas de culto a las que tengo en muy alta estima.
Hobo with a Shotgun es un film que tiene su origen en esos falsos trailers que aderezaban la doble sesión de Grindhouse (Death Proof/Planet Terror) dirigida por el dúo Tarantino/Rodriguez y sigue la estela de Machete (Robert Rodriguez, 2010), que se convirtió en largometraje después de ser concebido como trailer para la gamberrada que Quentin y el propio Robert idearon. Jason Eisener participó en un concurso realizado en Canadá como parte de la maquinaria promocional de Grindhouse en aquel país con el falso trailer de Hobo with a Shotgun, que se erigió en germen del largometraje que hoy nos ocupa. Nada mejor que echarle un vistazo a dicha gamberrada para ponernos en antecedentes:
Exagerada, bizarra, divertida, hiperviolenta, entretenida, sorprendente, espectacular, cruda, salvaje, descarada, retorcida, sangrienta, absurda, gamberra... La lista de calificativos que podríamos adjudicarle al film es realmente extensa y todos y cada uno de ellos encajarían como anillo al dedo para definir una película osada y atrevida que probablemente no dejará indiferente a nadie tanto para bien como para mal, pero que a mí en particular me ha hecho pasar uno de los mejores ratos de los últimos años en lo que a cine se refiere.
Para empezar, es inevitable sentirse atraido por el descabellado argumento. La idea de un vagabundo convertido en único hombre honesto y brutal justiciero en Hope Scum Town (una decadente ciudad dominada por la temible y ultraviolenta familia Drake y rebosante de policias corruptos, maleantes, pedófilos y demás escoria) es realmente atractiva. Además, si ese justiciero sin techo está interpretado por toda una leyenda como Rutger Hauer, el film alcanza la calificación de golosina imprescindible. El bueno de Rutger engrandece cada plano y sienta cátedra cada vez que abre la boca, incluyendo un par de monólogos que son para levantar el sombrero y aplaudir a rabiar. Muy grande el señor Hauer, que otrora fuera el replicante Roy Batty en la mítica Blade Runner (1982), un sufrido Etienne Navarre en Lady Halcón (1985) y Martin, muy hábil con la espada en Los Señores del Acero (1985), además de dar vida al cabronazo de John Ryder en Carretera al Infierno (1986) y comerse la pantalla con el personaje de Istvan Kovak en El Rito (2011), y que ahora es "simplemente" Hobo, un homeless anónimo que se harta de injusticias y va a por todas escopeta en mano. Llegados a éste punto, sólo puedo abrir los ojos de par en par y disfrutar de la particular cruzada de un actorazo mítico y legendario.
Del resto del reparto cabría destacar a los tres miembros de la familia Drake: Gregory Smith como Slick, Nick Bateman es Ivan y Brian Downey interpreta a Drake, el padre de ambos y villano supremo de la función, muy histriónico y exagerado en su papel de patriarca-cabecilla mafioso que controla la ciudad a su antojo a base de sangre y violencia sin límites. En el otro bando, Molly Dunsworth es Abby, la dama en apuros y también señorita de armas tomar que, pese a trabajar de prostituta, encarna ese pequeño resquicio de pureza e inocencia que aún queda en la ciudad y por la que nuestro vagabundo se partirá la cara.
Desde el principio, con una intro perfecta para entrar en materia a base de música setentera e imágenes saturadas en Technicolor, la estética retro nos atrapa y nos sumerge en un viaje al pasado. Técnicamente el resultado es impecable, con una fotografía cuidadísima a cargo de Karim Hussain, quien usa los excesos cromáticos a su antojo como si de un mecanismo narrativo más se tratase. ¿El resultado?: un protagonismo absoluto del color según qué escena, quién intervenga en ella o qué ocurra. Tampoco podemos olvidarnos de los efectos especiales cocinados a la vieja usanza, sin nada de CGI y totalmente artesanales, y de la banda sonora, un complemento ideal para el menú cinematográfico tan disfrutable que Eisener y compañia han preparado con tanto esmero.
Resumiendo, Hobo with a Shotgun es una película llamativa en lo visual y en lo narrativo, con una historia de venganza y justicia callejera llena de guiños e infinidad de detalles por descubrir, además de numerosos elementos deudores del cine exploitation setentero (también tiene mucho que agradecer al cine que mostraron en sus comienzos gente como Sam Raimi, Peter Jackson o las películas de la Troma, por ejemplo) en la que campan a sus anchas la violencia más explícita, el gore más descarado y alguna que otra bizarrada (incluyendo a La Plaga, un escuadrón de la muerte motorizado formado por dos matones forrados en acero que parecen sacados del universo Mad Max (1979), un Santa Claus pedófilo y hasta la fugaz aparición de ¡un pulpo gigante!). Además, no faltan algunas pinceladas de humor negro y ninguna intención de tomarse en serio a sí misma, lo que cierra el círculo y la convierte, vuelvo a insistir, en película de culto. Para mí, imprescindible.
...y en él podemos observar un hecho esclarecedor: esta vez las pirañas abandonarán el Lago Victoria, en Arizona, donde tenían lugar los hechos de la primera película (Piranha 3D, dirigida por Alexandre Aja en 2010) para sembrar el terror en un parque acuático.
La película se estrena en EE.UU. el próximo 23 de noviembre. Si ya la primera entrega tardó eones en estrenarse aquí en España, esta tiene pinta de no llegar jamás o de hacerlo directamente para el mercado del DVD. Veremos...
Hace ya algo más de un año que una polémica película zarandeó a los espectadores de medio mundo pulsando el resorte del asco y la repulsión y superando los límites de lo escatológico. Me refiero a The Human Centipede: First Sequence, dirigida por un osado Tom Six (podeís echar un vistazo a la reseña aquí). Ahora, un año después, el mismo director pretende superar lo mostrado en aquel primigenio film y se atreve con una secuela aún más sórdida y mezquina que su predecesora.
Si en la película original un científico loco creaba un "ciempiés humano" uniendo con cirugía a tres personas (ya sabeís cómo...), en esta nueva vuelta de tuerca es Martin, un personaje enfermizo y totalmente obsesionado con aquella primera película, el que va a superar los límites de lo absurdo uniendo hasta doce personas en un inenarrable ejercicio de locura y enajenación. Las imágenes del trailer hablan por sí solas y no puedo sino esperar con ansia e impaciencia el estreno de una película y una historia que, de nuevo, promete polémica y transgresión.
Día duro el de hoy después del madrugón y posterior inventario en el curro (sí, sí, en domingo...). A pesar del cansancio, la buena música siempre tiene un hueco y Mastodon, ese grupo del que no sé si habreís oido hablar (nótese mi fina ironía) han lanzado el videoclip oficial de Curl of the Burl, un tema de su nuevo disco The Hunter, que sale a la venta el próximo martes 27 de septiembre.
Hace poco más de un mes colgue AQUI el clip provisional que acompañaba a dicho single, pero no ha sido hasta hace un par de días cuando la banda de Atlanta han hecho público el video oficial a modo de divertido homenaje al cine de terror de serie B. El video, escrito por el batería Brann Dailor, es una historia hilarante en la que intervienen personajes estrafalarios, visiones alucinógenas y extrañas apariciones, todo ello en el marco de un bosque encantado.
"Unos jovenes problemáticos que regresan de una especie de
campamento religioso para salvar sus almas sufren un accidente en
carretera. Lo único que tienen alrededor es un parque de remolques un
tanto lúgubre donde una chica atractiva, Norma, les dá cobijo; lo que
desconocen es el horrible secreto que esconde ese lugar y sus
habitantes, todos muertos..."
Me enteré de la existencia de esta película después de que Perse la reseñara en su blog Angel de Alas Negras y en esta frenética puesta al día que estoy llevando a cabo (básicamente quitándome tiempo de sueño para dedicarselo al cine), le dí una oportunidad. Pues bien, grata sorpresa la que se lleva uno con esta película, de la que aparentemente no cabe esperar nada, y que termina por resultar un film entretenido que conjuga varios subgéneros del cine de terror (no en vano se trata de una grotesca pelicula de zombies con recursos del cine slasher) y se alimenta de influencias de films clásicos como 2000 Maníacos (1964), La Matanza de Texas (1974) y de otros más recientes como La Casa de los 1000 Cadáveres (2003) o incluso Hostel (2005), todo ello bajo un punto de vista totalmente extravagante y sin tomarse nada demasiado en serio.
Trailer Park of Terror está basada en el cómic homónimo de Imperium Comics, muy en la línea de “Creepshow” y “Tales from the Crypt”. Este origen es clave para entender el carácter totalmente fantástico y en ocasiones absurdo del argumento, que incluye a Norma (Nichole Hiltz), la atractiva zombie redneck que ejerce de maestra de ceremonia y que tiene que retocarse la cara una y otra vez para que no se le caiga al suelo, o a Roach (Myk Watford), el zombie más animado del lugar que, guitarra en mano, ameniza con buen rock & roll buena parte de la historia, sobre todo cuando ésta se anima y los curiosos habitantes de este trailer park provocan un baño de sangre entre el grupo de adolescentes de turno. Estos son, sin duda, los dos personajes con más carisma y que mejor aprovechan la historia escrita por Timothy Dolan. El resto del reparto se limita a cumplir y servir al desarrollo de un guión que, aunque rebosa clichés, estereotipos varios, una sencillez que roza lo simplón y alguna que otra laguna, constituye una historia divertida que no aburre en ningún momento.
Además, y aunque el film no deja de ser una película de serie B editada directamente al mercado del DVD, los efectos especiales y el maquillaje son más que correctos, y algunas de las muertes y asesinatos de las que somos testigos en pantalla no tienen nada que envidiarle a otras que aparecen en películas con más enjundia y presupuesto. Eso, unido a una puesta en escena totalmente cruda y realista que recrea la vida en una de esas zonas de los EE.UU. donde la white trash campa a sus anchas, hace que el limitado presupuesto luzca como si fuera mucho mayor.
En resumidas cuentas, no es para nada una pérdia de tiempo si le echaís un vistazo y os acercaís a la película sin expectativas demasiado elevadas, con la mente dispuesta a ver un pequeño y entretenido festival de terror de serie B totalmente deudor del cómic en el que se basa, con la típica y tópica historia de "grupo de jóvenes en apuros en un ambiente hostil", con muertes y escenas gore de buen ver y correctas dosis de humor negro. Para pasar un rato entretenido...
Bueno, pues tal día como hoy hace cinco añitos que servidor iniciaba su andadura en estos mundos blogueriles (podeís echar un vistazo a esa primera entrada AQUI). Han sido cinco años durante los cuales el blog ha pasado por numerosas fases, unas más prolíficas que otras, pero siempre ha estado ahí, latente y deambulando por mi mente. Han sido, con esta, 822 entradas sobre cine, televisión, música, conciertos, libros, cómics, anécdotas, curiosidades y reflexiones de carácter personal. Parecen muchas, pero creedme, son muchísimas menos de las que me gustaría. Lo que ocurre es que el tiempo libre es un bien preciado que últimamente brilla por su ausencia en mi vida (el trabajo, que lo engulle todo...).
Muchos han sido y sois los que habeís pasado por aquí y aún hoy día seguís enriqueciendo con vuestros comentarios y opiniones este pequeño rincón de internet y, por extensión, a éste que os escribe. También han sido varias las personas a las que he tenido la suerte de conocer en persona a través de este y otros blogs. A todos vosotr@s, infinitas gracias por todo y por el apoyo que habeís mostrado. Me vaís a permitir que no diga nombres porque no quiero dejarme a nadie en el tintero, pero vosotr@s sabeís quienes soís. Lo que si me teneís que dejar es que haga una mención especial para la mujer de mi vida, Eva (alias Perse en Angel de Alas Negras), que lleva visitando el blog desde que fue creado, una creación que nació con su inspiración y después de echar un vistazo al suyo. A tí, que fuiste, eres y serás mi musa, y a todos y todas los que alimentaís este blog día a día, mil millones de sinceras gracias. Esto, aunque suene a tópico, no sería nada sin vuestro aliento.
El ascenso al poder del joven y sanguinario Lord Naritsugu supone una
seria amenaza para la paz en el Japón feudal. Simplemente por ser el
hermano del shogun, Lord Naritsugu está por encima de la ley, y asesina y
viola a su antojo. Afligido por la masacre perpetrada por el sádico
Naritsugu, el oficial Sir Doi contacta secretamente con el samurái
Shinzaemon Shimada para acabar con Naritsugu. El noble samurái,
indignado por la crueldad de Naritsugu, acepta de buen grado la
peligrosa misión. Para ello, reúne a un selecto grupo de samuráis, entre
los que se encuentra su sobrino Shinrokuro y el devoto aprendiz
Hirayama. Juntos, traman una emboscada para atrapar a Lord Naritsugu.
Shinzaemon es consciente del peligro que conlleva. Naritsugu va
escoltado por una comitiva encabezada por el letal e implacable Hanbei,
uno de sus antiguos rivales.
13 Asesinos es un jidaigeki o drama de época, un género totalmente reurrente en el cine japonés, que cuenta una historia ambientada en el Japón de mediados del siglo XIX, y más concretamente en 1844, período en el que la figura del samurái, guerrero japonés por excelencia, se encuentra en cierto desuso dada la paz y la quietud del momento. El film es una nueva versión de la película homónima (Jûsan-nin no shikaku) dirigida en 1963 por Eiichi Kudo, pero con el filtro y desde el particular punto de vista de un realizador tan peculiar como Takashi Miike, quien explota mucho más la esencia salvaje del acto organizado por estos trece samuráis.
Tiene la narración dos partes totalmente diferentes. El primer tramo es una pausada y minuciosa presentación del momento y las circunstancias de la historia, siendo testigos del sadismo, la crueldad y la violencia injustificada del indeseable hermano del Shogun, Lord Naritsugu Matsudaira, quien usa su elevada posición para sembrar el terror a su antojo. Asistimos también a la indignación de Sir Doi, uno de los oficiales, y de cómo pulsa los resortes necesarios para que se establezca un grupo de samuráis y ronins con el único y exclusivo objetivo de acabar con la vida de Naritsugu para salvaguardar el honor y la estabilidad política y social de Japón, dado que el objetivo del Lord es volver a instaurar los tiempos bélicos propios de las guerras feudales. Quizá esta parte adolezca de cierta parsimonia y un ritmo pausado, pero es indudable que resulta crucial para entender el devenir de la historia.
La segunda parte se articula en torno al plan elaborado por estos trece samuráis y cómo, cuando y dónde será llevado a cabo. Es entonces cuando se desata la locura, la narración se acelera hasta alcanzar velocidad de crucero y todo desemboca en una trepidante y frenética orgía de sangre y destrucción que toma cuerpo en una batalla épica que se extiende a lo largo de más de 45 minutos de clímax en el que trece hombres se enfrentarán a muchos con un resultado más que satisfactorio (y es aquí cuando tengo que reconocer cierta incredulidad ante la eficacia y resultado del plan inicial, poco menos que un auténtico suicidio).
Visualmente tiene una puesta en escena muy disfrutable, totalmente clásica, donde vestuario, escenografía y fotografía se unen para formar una enorme baza de realismo a favor. Además, la mencionada batalla final te mantiene pegado al asiento y permanentemente atento a lo que ocurre en la pantalla ante la posibilidad de que se nos escape algún detalle si parpadeamos. Por contra, creo que le pesa demasiado la parsimoniosa primera parte, que se demora en exceso a pesar de que el film comienza con una escena brutal, un impactante seppuku (o 切腹, el término culto y más academicista de lo que solemos conocer como hara-kiri). Desde ahí y hasta la chispeante agilidad del tramo final, tengo que reconocer que me aburrí por momentos y que algo de dinamismo no le hubiera venido nada mal, al igual que algo más de atrevimiento y osadía visual, algo a lo que Miike nos tenía malacostumbrados... De todas formas no nos engañemos: Kurosawa sólo existió uno, y era irrepetible.
1875, territorio de Nuevo México. Un extraño con una amnesia total
llega a Absolution. La única pista de su pasado es un
misterioso grillete que le rodea la muñeca. Lo que descubre es que la
gente del pueblo no da la bienvenida a los forasteros, y nadie hace un
movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la
mano del coronel Dolarhydel. Pero
Absolution está a punto de experimentar algo que apenas puede
comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por unas extrañas criaturas desde
el cielo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con
unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente indefensa, esos
misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido
hasta ahora. Ahora, ese desconocido al que rechazaron es su única
esperanza para la salvación.
El hecho de que el guión de una película haya sido escrito por hasta cinco personas distintas debería ser señal de advertencia de que es muy probable que lo que veamos en pantalla no entre dentro de la definición de buen cine y se acerque peligrosamente a lo que Perse suele denominar "una mierda como una catedral". Con Cowboys & Aliens corrimos ese riesgo ante las escasas opciones de una cartelera en la que poco o nada nos quedaba por ver. He de reconocer que la experiencia no fue tan dolorosa como en un principio parecía que iba a ser y la película pasó sin pena ni gloria, sin despertar en mí un interés fuera de lo normal y agradeciendo que no me sangraran los ojos.
El film, basado en un cómic que no he tenido oportunidad de leer (y que quizás no lea, puesto que le caen palos por todas partes), es una extravagante y bizarra mezcla de dos de los grandes géneros de la historia del cine: el western y la ciencia-ficción, en una valiente conjunción que se queda en tierra de nadie, a mitad de camino entre los dos géneros, y eso es sinónimo de indiferencia para el espectador. Tenemos cowboys y tenemos aliens, pero la mezcla no termina de cuajar, tal y como ocurría en films parecidos donde el western se fusionaba con otras vertientes, como Wild Wild West (1999) o la funesta Jonah Hex (2010).Ni siquiera los intentos por convertir el film en una cinta de aventuras animan el cotarro, resultando una historia poco dinámica a pesar de que, a priori, prometía todo lo contrario dados los elementos utilizados. Con todo ello, el film convence algo más cuando se mueve en el terreno del western y no en el de los alienígenas.
Daniel Craig se marca una de esas hieráticas y frías interpretaciones a las que nos tiene acostumbrados, pero con un resultado menos impactante que en la excelente Casino Royale (2006). Su inexpresiva cara no funciona en esta ocasión y le come la tostada un Harrison Ford que, sin esforzarse demasiado, resulta más convincente que el actor nacido en Chester. Su personaje es de los pocos que experimenta una ligera evolución a lo largo de la historia, pasando del escepticismo y la suficiencia al afecto y la camaradería. El papel femenino protagonista recae en esta ocasión sobre una insulsa Olivia Wilde, con un enigmático personaje (con unos orígenes y un rumbo que servidor tenía claro a los diez minutos de la película) de supuesta cierta relevancia para la historia que nunca llega a establecerse como capital en la historia. Los secundarios cumplen, aunque dan la sensación de que podían haber dado mucho más de sí, como es el caso de Sam Rockwell y su intento de aportar algo de humor a la narración, o el siempre correcto Clancy Brown como el personaje de más elevada condición moral de la historia.
En cuanto al apartado técnico de la película, decir que se me antojan excesivos los 160 millones de dólares de presupuesto para el resultado final, que sin ser mediocre, si me parece justito en cuanto a lo que cabría esperar. Lo que sí me gustó fue el diseño anatómico y ciertos detalles de los alienígenas. La ambientación, incluyendo escenografía, vestuario y puesta en escena, si me pareció creible, realista y totalmente conseguida, alcanzando un nivel convincente cual western clásico.
En definitiva, la película funciona mejor cuando discurre por el western puro y duro, y el guión se diluye cuando entra en juego el factor alienígena. Ahí es cuando la historia se descontrola un poco, chirrían las superposiciones entre géneros y flaquea nuestro interés. Es un film que discurre claramente de más a menos, hasta llegar a una última parte realmente pobre en cuanto a argumento y un final totalmente predecible y pueril. No es el truño que me esperaba, pero tampoco pasará a los anales de la Historia del Séptimo Arte. Para pasar el rato en una de esas tardes de domingo en las no hay nada mejor que hacer...
Falta apenas un mes para el estreno de una película a la que, personalmente, le tengo bastantes ganas. El 21 de octubre de este 2011 llega a nuestras pantallas La Cosa (The Thing, 2011), dirigida por Matthijs van Heijningen Jr. y que se constituye como una precuela de esa película clave en el devenir del cine de terror y ciencia ficción que fue La Cosa (The Thing, 1982) que dirigiera el maestro John Carpenter. Lo cierto es que al principio me mostraba reticente ante la posibilidad de que esta precuela fuera en realidad un remake encubierto (cosa que, para ser sinceros, así parece...), pero la calidad y el buen hacer del último tráiler emitido ha hecho que me olvide por completo de los prejuicios y que ansie verla en una enorme pantalla de cine en todo su esplendor. Simplemente brutal y con visos de ser una muy buena película...
La policía coreana trata de encontrar a un depravado asesino en
serie que lleva tiempo sembrando el terror en la zona.
Soo-hyun, un agente secreto del gobierno, comienza una caza implacable cuando su novía se convierte en la última víctima del asesino. De esa forma dará comienzo un
macabro juego del gato y el ratón sin concesiones.
Dentro de esta racha de cine asiático en la que estoy inmerso en los últimos días, hoy es el turno de reseñar el que muchos han calificado como el mejor thriller de los últimos años: I Saw the Devil (Encontré al Diablo), una trepidante historia de persecución y venganza que viene de la mano de Ji-woon Kim, director de Dos Hermanas (2003) o El Bueno, el Malo y el Raro (2008). La verdad es que no cabe duda de que estamos ante un film espectacular, en el que todos los aspectos se han cuidado hasta el más mínimo detalle. El resultado es una trepidante historia de venganza con un ritmo endiablado en la que no faltan detalles que la convierten, por momentos, en un drama policíaco o en una escalofriante película de terror psicológico.
El film, como ya he comentado, se sustenta sobre una tremenda historia de venganza, una frenética cacería humana en la que dos personajes geniales se enfrentarán en un brutal juego del ratón y el gato, un toma y daca sin concesiones entre dos hombres sin nada que perder, con el único fin de acabar uno con el otro, enmarcado todo ello en una espiral de violencia casi sin límites. Uno de esos personajes esKim Soo-hyeon, agente secreto de la policía coreana que se convertirá en improvisado e implacable justiciero al margen de la ley cuando su prometida es violada, asesinada y descuartizada por un psicópata sin escrúpulos que lleva tiempo sembrando el terror en la zona.
La interpretación de este agente corre a cargo de Byung-hun Lee, actor con una larga trayectoria en el cine asiático que díó el salto al streaming hollywoodiense con G.I.Joe (2009), y que se mete a la perfección en el papel de hombre atormentado que se convierte en monstruo para acabar con otro monstruo. Buena actuación aunque algo fría en general, que se sustenta en un rostro inexpugnable, rebosante de furia contenida que se libera por momentos en los violentos encuentros con el inhumano asesino en serie, un duelo sobre el que pivota por completo el film. Aún así, la auténtica estrella de la función es el villano, de gran carisma y una bajeza moral increible, cosa que no le impide constituirse en el personaje que más llama la atención. El encargado de meterse en la piel del psychokiller Kyung-Chul es un actor como la copa de un pino que nos regala una actuación memorable, digna de un gran premio (si los grandes premios se tornaran justos alguna vez...). Se trata de Min-sik Choi, conocido por ser el protagonista de la cinta de culto Oldboy, dirigida en 2003 por Chan-wook Park. Simplemente una interpretación magistral, para la que sólo cabe el aplauso y la reverencia. Actor de culto para mí desde ya.
El tira y afloja entre este tándem protagonista es la principal baza de un film cuya acción pronto alcanza velocidad de crucero y al que lo único que se le puede achacar como defecto es su extensa duración (casi dos horas y media...) y un ligero descenso en el ritmo narrativo según avanza el metraje. Yo añadiría que el final, a pesar de ser un desenlace correcto, peca de una ligera falta de fuerza según lo visto y acontecido durante toda la historia. Aún así, entra dentro de las opciones lógicas y supone un buen broche a una historia trepidante de esas que te agarran por la solapa y no te suelta hasta el final, al que asistes conteniendo la respiración y esperando el golpe de gracia definitivo.
Técnicamente, la película roza la perfección y se nota que se ha cuidado con mimo hasta el más mínimo detalle: planos, secuencias, la posición de la cámara, la fotografía, la dirección artística... Un deleite técnico al servicio del espectador. Destacaría, por encima de todo, la secuencia del taxi, con esa cámara pivotando sobre sí misma y ofreciéndonos una panorámica completa de la acción que transcurre dentro del vehículo. Simplemente genial, una auténtica gozada. Y no me olvido de unos efectos especiales a la altura, dotando de un realismo sobrecogedor a las escenas de violencia y tortura del film.
I Saw the Devil ha supuesto para mí un viaje increible durante el cual descubrimos los lugares más recónditos del ser humano, viajando desde la lúgubre y tenebrosa gruta que constituye el interior de ese asesino que comete cualquier tipo de acto, por escalofriante que sea, para satisfacer su necesidad de sangre y muerte, hasta el pozo sin fondo rebosante de odio y venganza en que se convierte el alma del improvisado y atormentado justiciero que se transforma en monstruo para dar caza a otro. Una auténtica espiral de violencia y autodestrucción mutua a la que asistimos impasibles y sin pestañear, que intenta convencernos de que es imposible recuperar lo perdido a pesar de que inflinjamos al culpable de nuestra pérdida todo el dolor del mundo. Si, es posible que no sirva para traer de vuelta aquello que amamos y nos arrebataron, pero tengo que reconocer que soy de ese tipo de personas que casi equiparan justicia con venganza. Peliculón con mayúsculas, y de nuevo una película asiática, este vez coreana, a mi olimpo particular.
Voy a ser claro y conciso con este tema y no pienso andarme por las ramas. El otro día Cristiano Ronaldo nos deleitó a todos con unas declaraciones en las que afirmaba que es pitado en los campos de fútbol porque es rico, guapo, buen jugador, y la gente le tiene envidia. Sólo le faltó decir que le pitan porque envidian su humildad...
En fin, como no quiero cebarme con el personaje, dejo aquí la transcripción de una carta abierta que Fernando Madina, bajista y cantante del grupo de punk-rock español Reincidentes, le ha escrito al futbolista portugués. No tiene desperdicio. Ni que decir tiene que suscribo todo lo que Fernando Madina comenta en su misiva:
Carta abierta de un simple rockero a Cristiano Ronaldo
Señor
Cristiano Ronaldo. Me presento. Me llamo Fernando Madina, soy de
nacionalidad española-venezolana, resido en Sevilla hace 35 años y vivo
de la música. Soy el bajista y cantante de un grupo de rock que se
llama Reincidentes (algún futbolista que otro sabe de nuestra
existencia).
Me dirijo a usted con la presente, para expresarle
mi profundo desagrado, por no llamarlo directamente asco, a propósito de
sus declaraciones tras el partido de Champions League que enfrentó al
Real Madrid en Zagreb contra uno de los equipos locales.
“Creo
que la gente me pita porque soy rico, guapo y juego muy bien” “Por eso
me tienen envidia” . Mire, señor Cristiano. Yo no dudo de que usted sea
ni rico, ni guapo, ni juegue estupendamente al fútbol. Pero quiero
plantearle varias cuestiones:
1.- Estamos viviendo un momento
económico donde el hecho de ser rico, quizá no sea motivo simplemente de
envidia, sino también de rabia, al darnos cuenta de que los simples
trabajadores estamos pagando el precio de una gran crisis económica que
no hemos generado, y viendo como gente que juega al fútbol, o invierte
en bolsa, o simplemente explota al trabajador y elude sus compromisos
con la Hacienda Pública, por no hablar de otras profesiones
enriquecedoras y de dudosa honestidad (no es su caso), empiezan a
derribar estados enteros. Pero el hecho de que los futbolistas ganen
cantidades desmesuradas de dinero, no hace más graves sus afirmaciones
de lo que ya son. Aún así, pienso que son desmesuradas, aunque es cierto
que ustedes producen también dinero.
2.- Lo de que es usted guapo, no lo pongo en duda, por supuesto, y que juegue muy bien al fútbol menos aún.
3.-
Hay un punto en el que creo fundamental que usted reflexione: y se
trata de la humildad. Le voy a poner un ejemplo: Cualquier ciudadano de
este país y de muchos otros, no podrían creer que Andrés Iniesta, Xavi
Hernández o Leonel Messi hubieran realizado este tipo de declaraciones.
¿Y sabe usted por qué? Porque son humildes. Porque no se creen el centro
del universo deportivo, porque son jugadores de equipo, y porque antes
de hablar piensan, que es algo muy importante (aunque dada la aparente
capacidad intelectual de usted, permítame que dude de sus reflexiones).
4.-
¿No cree usted que quizá le piten en todas partes por su arrogancia,
por su chulería, por su poca solidaridad con sus compañeros en momentos
puntuales del juego, por sus declaraciones en prensa, radio y
televisión? ¿Porqué a usted sí, y a otros jugadores de fútbol de calidad
más que contrastada no? ¿Nunca se lo ha preguntado?
En
definitiva, señor Cristiano, a los buenos siempre les darán más patadas,
pero usted ha demostrado con sus declaraciones que la gente le pita con
razón, porque la gente sabe lo que usted piensa (no a nivel
intelectual, lo cual permítame poner en duda). Y sepa usted que a la
mayoría de la gente que seguimos el deporte, que lo amamos (el deporte),
nos gustan los deportistas que hagan del mismo un ejemplo para los
chicos que vienen detrás, con ilusión, y que con gente como usted y su
actual entrenador, lo van a terminar de estropear todo: el compañerismo,
el saber ganar, el saber perder, la solidaridad… los verdaderos valores
de la competición.
Se despide de usted un rockero que no es ni rico, ni guapo y ni siquiera toca demasiado bien, la verdad…
Fernando Madina Pepper
Bajista y vocalista del grupo de rock Reincidentes
Una noche, Lena, que trabaja como chica de la limpieza en el aeropuerto de Heathrow,
pierde su bus y se ve obligada a quedarse en la casa de una compañera.
Allí descubre que el padre y la madre tienen un hobby peculiar: secuestrar y encerrar personas para torturarlas y someterlas a todo tipo de vejaciones...
Mum & Dad es la ópera prima de Steven Sheil, que escribe y dirige una historia que se me antoja el enésimo intento de revisar y actualizar los parámetros que estableciera, allá por el lejano 1974, toda una obra maestra como es La Matanza de Texas. No es la primera vez que vemos en pantalla grande las retorcidas prácticas de aterradoras familias de psicópatas que enarbolan un peculiar sentido de la unidad basado en el secuestro, mutilación y asesinato de inocentes en comunidad. Tobe Hooper puso la semilla con la familia Sawyer, y muchos otros le han imitado a lo largo de los años. Así pues, esta idea que nos propone Steven Sheil no es para nada innovadora, al menos en su esencia: padre, madre y un par de vástagos que más que hijos parecen súbditos, todos ellos locos de remate y compartiendo una serie de aficiones insanas.
Lo que si aporta el film al género es una actualización de esa tipología de familia disfuncional, eligiendo para ello a una familia de clase media anglosajona totalmente actual, modélica de puertas para afuera y mostrando una cara amable y totalmente normal a vecinos y conocidos, mientras que en su hogar dan rienda suelta a prácticas realmente depravadas, que incluyen las ya mencionadas mutilaciones, asesinatos y todo tipo de vejaciones y abusos sexuales, con algunas escenas verdaderamente repugnantes.
Perry Benson es el encargado de interpretar al cabeza de familia, uno de esos personajes realmente odiosos a la par que memorables que de cuando en cuando emergen entre el maremágnum de películas de terror que copan las salas de cine, las estanterías de los videoclubs y los discos duros de los aficionados. "Dad" podría pasar por un padre inglés típico y tópico: bajito, obeso, bastante pálido y aficionado a leer el periódico mientras espera el desayuno preparado por su mujer. Hasta ahí, todo es aparentemente normal. La cosa cambia cuando mientras todos desayunan en la cocina hay puesta una película porno en la televisión, o cuando descubrimos que el orondo padre de familia se masturba con pedazos de carne humana y otras lindezas por el estilo. La verdad es que Perry Benson logra una actuación convincente, consiguiendo que sintamos asco y repulsión ante semejante personaje. El resto del reparto, bastante flojo, la verdad, a pesar de que la historia intenta que profundicemos en la psique de los personajes para descubrir las motivaciones de unos y los sentimientos atormentados de otros.
Para concluir, Mum & Dad es una película que particularmente no me ha ofrecido nada nuevo respecto a otras propuestas similares. Si acaso, destacaría las pinceladas de humor negro y macabro que se atisban en algunos momentos de la historia (ojo a la improvisada Navidad que organiza la familia) y el realismo en el que se mueve el film desde el comienzo, duro y en ocasiones verdaderamente repugnante. Pero lo cierto es que en ningún momento llegué a conectar con los personajes y el final, bastante deslavazado, me dejó un sabor de boca realmente pobre. Tan pobre, que hoy por hoy no la recomendaría...
Pues sí, una noticia tristísima la del fallecimiento del actor galés Andy Whitfield, víctima de un linfoma no-Hodgkin que le fue diagnosticado en el pasado año 2010 y que ayer 11 de septiembre, dieciocho meses después, nos ha privado de un actor jovencísimo, con apenas 39 años, y justo cuando se encontraba en la cima de su carrera después de que la fama le llegara interpretando a Spartacus en la serie homónima del canal STARZ. En septiembre de 2010 Whitfield abandonaba la serie definitivamente para centrarse en su recuperación, siendo sustituido porLiam McIntyre, quién tendrá que trabajar mucho para conseguir suplir con garantías a Whitfield, quien había convertido a Spartacus en un icono de la televisión contemporánea a base de esfuerzo y una apasionada interpretación como el soldado tracio que tuvo que sobrevivir como gladiador antes de liderar una auténtica rebelión.
Una auténtica pena, sobre todo cuando una enfermedad así se ceba con alguien tan joven y con tanto futuro por delante. No cabe duda de que el cancer sigue siendo, hoy día, la gran enfermedad del siglo XXI, una enorme lacra para la humanidad. DESCANSA EN PAZ, GLADIADOR.
Una joven se ve obligada a tomarse unas vacaciones después de ser testigo de un intento de agresión y tras una serie de contratiempos en el trabajo. Cuando viaja a la isla Moo-Do, habitada por sólo nueve personas y donde vivían hace años sus abuelos, se volverá a encontrar con una amiga de la infancia, la cual se encuentra en una situación límite, siendo víctima de todo tipo de maltratos y vejaciones por parte del resto del pueblo.
Sigo con esta pequeña racha que llevo de degustar películas orientales (la primera y muy satisfactoria fue la nipona Confessions...), ahora es el turno de la coreana Bedevilled, el valiente debut en la dirección de Chul-soo Jang, que ha tenido la osadía de plantear en su ópera prima un tema tan polémico y escalofriante como la violencia de género, los abusos a menores y la explotación sexual y laboral de la mujer. Está claro que es una película dura que afronta temas escabrosos, pero no deja de ser una historia interesante y esclarecedora sobre lo que aún estoy seguro que sigue ocurriendo hoy en día en numerosos lugares del planeta. En ese sentido, cualquier forma de denunciar el problema es válida, y el cine no es una excepción.
La hechos narrados en este film tienen como protagonistas absolutas a dos mujeres cuyas vidas estuvieron ligeramente unidas en su infancia aunque la vida adulta las separó definitivamente, llevando a cada una de ellas por un sendero totalmente diferente. Seong-won Ji interpreta a Hae-won, la chica que vive en Seúl y que decide huir de sus problemas y del stress de la vida en la gran ciudad pasando un tiempo en la isla Moo-Do, donde una vez vivieron sus abuelos y donde pasó buenos momentos en su día junto a Kim Bok-nam, interpretada por una magistral Yeong-hie Seo. Esta última vive en un ambiente totalmente hostil hacia su persona, y es continuamente objeto de abusos y vejaciones por parte de los habitantes de la isla, que no dejan de ser sus propios familiares. El contraste entre dos estilos de vida antagónicos tendrá lugar cuando las dos amigas de juventud se reencuentren en un ambiente ciertamente explosivo.
La primera parte de la película es una perfecta narración dramática de la terrible situación de una mujer que tiene la desgracia de vivir en un trozo de Corea totalmente anclado en tradiciones absolutamente conservadoras y terriblemente machistas, más propias del medievo rural coreano e indignas para las alturas de siglo XXI en el que vivimos. Poco a poco la historia va desgranando detalles y sucesos de la vida de Kim Bok-nam, generando una terrible sensación de impotencia en el espectador que asiste a la desdicha de la joven coreana. Así, el clima de tensión va continuamente en aumento mientras somos testigos de la desgraciada vida en la isla, hasta que finalmente desemboca en un baño de sangre que se puede denominar como "venganza justificada y necesaria", y quizás la única salida después del cariz que toman los acontecimientos tras un punto clave en la narración. Esta última parte del film, cercano a los cánones de cualquier slasher que se precie, es la que ha llevado a confundir en ocasiones al espectador que se acercaba a esta historia esperando una historia más de terror y se sorprendía totalmente al darse de bruces con un excelente drama con sutiles toques de thriller y un desenlace bañado en sangre y con ciertas reminiscencias gore.
Una vez más, fue Perse la que me puso tras la pista de esta película, recomendándomela una vez que ella ya la había visto, y una vez más tengo que agradecerle la sugerencia. Bedevilled es un film que funciona a la perfección como drama, máxime teniendo en cuenta los terribles sucesos que denuncia y que, tristemente, hoy en día siguen estando a la orden del día. A mi me ha sorprendido bastante y sólo le puedo reprochar un pequeño exceso de metraje, con una serie de escenas alargadas ligeramente, en lo que ya se ha convertido en una característica más del cine asiático, pero que no empaña para nada la fuerza de una historia tan terrible, ni la ya mencionada enorme actuación de Yeong-hie Seo, a la que habrá que seguirle la pista desde ya.
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