El bosque es un lugar demasiado oscuro y profundo, tengo promesas que cumplir y mucho que viajar antes de poder dormir...

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Ha fallecido Ken Russell...


El director británico Ken Russell nos dejó ayer 27 de noviembre a los 84 años de edad mientras dormía. Russel, nacido en Southampton el 3 de julio de 1927, comenzó su carrera en el mundo del cine y de la televisión ejerciendo como cámara para la BBC, antes de erigirse en uno de los directores más provocadores e innovadores desde finales de los '60, alcanzando cierto éxito con films como Mujeres Enamoradas (Women in Love, 1969), con Glenda Jacksonque ganó el Oscar a la mejor actriz principal—, Alan Bates y Oliver Reed, película por la que fue nominado al Oscar al Mejor Director en la edición de 1971. 

En 1975 alcanzaría uno de sus mayores éxitos con Tommy, la versión cinematográfica de la ópera rock de The Who. El musical fue todo un éxito de taquilla y le abrió las puertas del cine hollywoodiense. Uno de sus trabajos al otro lado del charco fue Viaje Alucinante al Fondo de la Mente (Altered States, 1980), film de ciencia ficción protagonizado por William Hurt. Pronto descubrió que los mecanismos y limitaciones artísticas de la industria cinematográfica de Hollywood no le dejaban trabajar tal y como él quería. Su última pelicula en suelo americano fue La Pasión de China Blue (Crimes of Passion, 1984) con Kathleen TurnerAnthony Perkins. De nuevo en Europa, dirige Gothic (1986), una de sus primeras incursiones en el cine de terror y/o horror que suponía su visión del mito de Frankenstein. Después realizó La Guarida del Gusano Blanco (The Lair of the White Worm, 1988), curiosa interpretación en clave de sátira y con tintes psicodélicos del mito vampírico con Amanda Donohoe y Hugh Grant.

Descanse en Paz este controvertido director, un transgresor en toda regla.

Opening Credits: la saga James Bond vol.2 (1973-1985, la etapa de Roger Moore)

Cuarto gunbarrel utilizado en los dos primeros films con Roger Moore al frente
Segunda entrega de los "opening credits" en las películas de la saga del más célebre espia internacional, James Bond, también conocido como 007. En la primera entrega recopilábamos las intros de las siete películas filmadas entre 1962 y 1971-seis de ellas protagonizadas por Sean Connery y una por George Lazenby-, y ahora es el turno de los films comprendidos entre 1973 y 1985, un periodo de tiempo en el que Roger Moore se encargó de dar continuidad al personaje a lo largo de siete peliculas.

Quinto gunbarrel utilizado en las cinco películas restantes de la saga con Moore

8.- Vive y Deja Morir (Live and Let Die, 1973): el debut de Roger Moore como James Bond se produjo de nuevo con Guy Hamilton en la dirección. Actor nuevo para la franquicia y nueva escena gunbarrel, en la que Moore aparece sin sombrero y sujetando el arma con ambas manos. También es la primera vez que un tema rock/pop se usa para los créditos iniciales en la saga, con el tema homónimo compuesto por Paul McCartney e interpretado por él mismo y su entonces banda, Wings. Cómo no, la figura y los rostros femeninos son de nuevo protagonistas, envueltos esta vez en un halo de misticismo y referencias al vudú, pues no en vano la película estaba ambientada en una pequeña isla del Caribe.


9.- El Hombre de la Pistola de Oro (The Man with the Golden Gun, 1974): el tándem Moore-Hamilton volvía a coincidir por segunda vez apenas un año después de su anterior film y se reutiliza el gunbarrel anterior. En cuanto al tema musical, regresa John Barry como compositor del tema central después de su ausencia en la anterior película, y lo hace con un tema interpretado por la cantante escocesa Lulu, en lo que está considerado una de las composiciones más flojas de la saga. Hasta el propio Barry renegaba del tema y según sus propias palabras "para mí ese tema nunca ha existido". En la intro aparece la pistola de oro que da título al film y las típicas siluetas femeninas danzantes.


10.- La Espía que me Amó (The Spy Who Loved Me, 1977): la tercera película con Roger Moore como 007 trajo el debut de Lewis Gilbert como director en la franquicia. Se utiliza un nuevo gunbarrel en el que vuelve a aparecer Moore sin sombrero, sujetando el arma de nuevo con ambas manos pero con pantalones de campana esta vez. El tema principal -Nobody does it Better- es el primero en toda la saga que no se titula como la película, y fue compuesto por Marvin Hamlisch e interpretado por Carly Simon. La canción suena mientras en pantalla, con un aire muy "british", se suceden las imágenes de Bond intereactuando con las siluetas femeninas que son todo un símbolo de la franquicia.


11.- Moonraker (Moonraker,1979): segunda y última película de Bond dirigida por Lewis Gilbert y de nuevo Moore ejerciendo de protagonista absoluto. Vuelve John Barry a la composición musical y Shirley Bassey interpreta el homónimo tema principal, en lo que suponía su tercera interpretación para la saga. Con un tono ligeramente onírico y espacial y con la luna como protagonista, la intro recurre a los tópicos de anteriores secuencias: señoritas pizpiretas que realizan cabriolas y piruetas bajo un frío tono azulado.


12.- Sólo para sus Ojos (For Your Eyes Only, 1981): en la decimosegunda entrega de la saga de Bond debutaba John Glen como director, que ya había trabajado como director de segunda unidad en anteriores entregas. Por supuesto, Roger Moore seguía enfundado en el smoking de agente secreto, pero la banda sonora pasa a manos de Bill Conti, que compuso el tema homónimo que interpretó Sheena Easton. En los créditos iniciales, es la primera vez que aparece en pantalla la intérprete del tema principal, aunque el estilo y la puesta en escena no varia un ápice respecto a anteriores fórmulas.


13.- Octopussy (Octopussy, 1983): Moore y Glen repetían como protagonista y director respectivamente en la decimotercera película de la saga. El tema principal, titulado All Time High, es obra de John Barry e interpretado por Rita Coolidge.Cómo no, convergen de nuevo los elementos recurrentes de la saga a la hora de crear los títulos de crédito: sugerentes siluetas femeninas, James Bond que aparece de vez en cuando y como novedad, pequeñas imágenes icónicas -el logo de 007, un pulpo, la silueta de Bond...- proyectadas con láser rojo sobre el celuloide.


14.- Panorama para Matar (A View to a Kill, 1985): a mediados de los '80 Roger Moore se despedía del personaje en la decimocuarta entrega de la saga y séptima interpretación por su parte de 007,  de nuevo bajo la batuta en la dirección de John Glen. El tema principal, compuesto entre John Barry y el grupo británico Duran Duran, fue el primero de la saga de Bond en llegar al número uno en las listas de éxitos norteamericanas. El inicio de los títulos de crédito, con esa mano de uñas lacadas en rojo bajando la cremallera de una cazadora y mostrando el logo de 007, me parece uno de los más sugerentes de la franquicia. Se nota que estamos a mediados de los '80 y los tonos flúor ponen la nota de color entre las siluetas que se recortan en la oscuridad. A mí es una de las intros que más me gustan.


Hasta aquí llega la era Roger Moore, después de siete películas encarnando al agente 007. En la tercera y última entrada nos ocuparemos de las películas comprendidas entre 1987 y 2008, veintiún años de saga en los que se han estrenado ocho películas con tres Bond diferentes: Timothy Dalton, Pierce Brosnan y el actual, Daniel Craig.

"The Boss" vuelve a España...


Así es: hace apenas un par de días que Bruce Springsteen anunciaba que en el 2012 él y su E-Street Band publicarán un nuevo albúm que les llevará de gira por todo el mundo y Europa no será una excepción. Además, cuatro serán los conciertos que Springsteen ofrecerá en España: el primero de ellos será el domingo 13 de mayo en el Estadio Olímpico de Sevilla, y el jueves 17 de ese mismo mes actuará en el Estadi Olimpic de Barcelona. El sábado 2 de junio tocarán en el Estadio Anoeta de Donostia y el domingo 17 cerrarán su paso por España en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid.

Las entradas se podrán adquirir en www.doctormusic.com, www.ticketmaster.es, en todas las tiendas Fnac, Carrefour y otros puntos de la red Ticketmaster, y por teléfono en el 902 15 00 25. La venta para Barcelona comenzará el 29 de noviembre, la de Madrid el 1 de diciembre, las de San Sebastián se venderán a partir del 2 de diciembre y las de Sevilla el 14 del mismo mes. 

El precio de las entradas es de 65 Euros para las localidades generales de pista en todas las ciudades. En cuanto al precio de las entradas reservadas, para Barcelona será de 83, 74 y 68 según ubicación, para Madrid de 83, 74 y 65, 83 y 74 para San Sebastián y 80, 74 y 65 para las entradas de Sevilla. Los gastos de distribución no están incluidos en el precio. A petición de los representantes del artista, solo se venderán un máximo de 6 entradas por persona.

La verdad es que me gustaría ir. Siempre me ha gustado Bruce Springsteen pero según voy cumpliendo años siento que sus canciones encajan más y más con mi personalidad. A ver si se alinean los astros -trabajo, vacaciones, dinero, disponibilidad...- y en junio podemos disfrutar en directo de uno de los grandes de la música. 



Día Internacional contra la Violencia de Género


Como ya sabeís, el 25 de noviembre es el Día Internacional contra la Violencia de Género y nunca está de más recordar una fecha tan señalada para ver si tan terrible lacra se erradica de una vez por todas de esta sociedad, no tan civilizada como cabría esperar, en la que tristemente y en pleno siglo XXI siguen existiendo individuos de tan baja estofa que no sólo maltratan, sino que -como somos testigos casi todas las semanas en España- llegan incluso a acabar con la vida de una mujer. En lo que va de año son ya 54 las mujeres que han sido asesinadas por sus compañeros sentimentales o ex-parejas y esa cifra es intolerable, máxime en un país que milita en el supuesto "Primer Mundo".

Es por ello que cualquier esfuerzo es poco a la hora de amplificar el rechazo de la sociedad a tan deleznable comportamiento, propio de personajes realmente mezquinos y totalmente prescindibles. Y sobre todo y ante todo, denunciemos a esos que se creen tan valientes y tan hombres por levantarle la mano a una mujer. Que ninguna agresión quede impune y, si es posible, sin respuesta. El grupo vasco Soziedad Alkoholika titulaba uno de sus primeros temas con el directo lema "Kontra la Agresión, Kastración". Sí, reconozco que es contundente y que puede que no sea políticamente correcto, pero tampoco lo es destrozarle la cara a una mujer a base de puñetazos ni apuñalarla hasta la muerte delante de sus propi@s hij@s. A ver si entre tod@s acabamos con esta caterva cobardes de hijos de puta. De todas formas os dejo, igual que el año pasado, con la mejor canción que se ha escrito en este país contra la violencia de género:

Reincidentes - ¡Ay! Dolores

Las diez menos cuarto en el reloj,
la noche abre su puerta en tu cabeza.
En la tele un culebrón, la comida en el salón,
esperando una sonrisa, un te quiero, una caricia...

Las llaves tornan gris tu habitación,

entrando con el odio tras sus ojos.
Ya no tienes su calor, el alcohol es su sabor,
empezando con reproches, los insultos, el desprecio...

Y ahora no tienes nada que decir.

Ya no se si soy mujer o soy una mierda.
Sumida en la sinrazón, despojada del valor,
víctima de su miedo, del fracaso, de sus celos...

Ay! Dolores, los palos en tu espalda,

la tortura en tu mente
Ay! Dolores, con el silencio de la sociedad.

Lunes, martes, miércoles, y otra vez,

la vida se te escapa entre tus dedos.
Hundida en el qué se yo, destrozada en el sillón,
con la cara hinchada por algo más que la tristeza.

Pero ya es la hora de que todo vaya bien.

Volar sin alas, sentir que ya eres libre.
Soñar con el príncipe azul, gozar de lo que eres tú,
rompiendo las cadenas con que la sociedad te atrapa.

Por fin esta historia ya terminó,

Dolores cambió su nombre por libertad,
Escapando del cabrón que tu vida destrozó,
porque la vida es sólo un cuento que hay que vivir en el momento

Ay! Dolores, los palos en tu espalda,

la tortura en tu mente
Ay! Dolores, con el silencio de la sociedad.

 

 

Opening Credits: la saga James Bond vol.1 (1962-1971, los primeros años de 007)

Primer gunbarrel utilizado en los tres primeros films de James Bond
Posiblemente el personaje de ficción que más películas ha protagonizado en el mundo del cine sea James Bond, el celebérrimo agente secreto creado por el novelista inglés Ian Fleming en 1952 y que carga en sus espaldas una mastodóntica saga formada por más de veinte películas en las que una y otra vez se ha encargado de salvar al mundo de los intereses turbios de multitud de villanos, organizaciones secretas varias y numerosos tiranos cuyos planes siempre han sido desbaratados por dicho espía internacional, conocido con el nombre en clave de 007.

Segundo gunbarrel (utilizado en el cuarto, quinto y séptimo film de la saga)
Convertido en todo un icono, James Bond es el epicentro de un vasto universo cinematográfico propio construido a base de tramas enrevesadas, villanos carismáticos, atractivas chicas Bond -modismo surgido para etiquetar a las actrices protagonistas de los films de Bond-, infinidad de gadgets y avances tecnológicos y coches de lujo. Además, yo añadiría las secuencias iniciales de los films del agente 007, combinaciones realmente originales a base de sugerentes imágenes y con una banda sonora totalmente peculiar que hacen que dichos títulos de crédito constituyan todo un signo de distinción que hace que el espectador identifique al instante que se encuentra ante un film de la saga Bond.

Tercer gunbarrel, usado en la sexta película.
Es por eso que en esta primera entrega de la sección Opening Credits dedicada a la saga de James Bond nos centraremos en los primeros films basados en el personaje, en concreto todas las que tuvieron lugar entre los años 1962 y 1971, casi una década en la que se rodaron hasta siete películas.

1.- Agente 007 contra el Dr.No (Dr.No,1962): dirigida por Terence Young y con Sean Connery interpretando al primer Bond oficial, la primera película del agente 007 se iniciaba con la ya mítica secuencia denominada gunbarrel -creada por Maurice Binder- que muestra al propio agente disparando a la cámara, para luego contemplar cómo el objetivo de ésta se tiñe de sangre y comienza a sonar la típica fanfarria obra de John Barry y Morty Norman que se convertiría en el himno del personaje desde ese preciso momento. Como curiosidad, el coordinador de especialistas Bob Simmons es quien aparece como 007 en la intro doblando a Sean Connery.


2.- Desde Rusia con Amor (From Russia With Love,1963): apenas un año después repetirían los mismos protagonistas -Terence Young como director y Connery como 007- y la secuencia inicial es casi un calco de la anterior. Esta vez hay una secuencia fílmica entre el gunbarrel y los títulos de crédito, esta vez obra de Robert Brownjohn, que decidió que los créditos iluminados fueran proyectados sobre figuras femeninas. De fondo suena la canción instrumental homónima From Russia with Love, que vuelve a sonar a lo largo del fiml en su versión vocal interpretada por Matt Monro.



3.- James Bond contra Goldfinger (Goldfinger,1964): la tercera entrega de las aventuras de Bond -con Sean Connery repitiendo protagonismo- fue dirigida por Guy Hamilton. La intro repetía la fórmula del film anterior, con el añadido de que esta vez los títulos de crédito son proyectados sobre siluetas doradas de mujer a la par que algunas escenas representativas del film, mientras suena de fondo el tema Goldfinger, escrito por John Barry e interpretado por la gran voz de Shirley Bassey, en lo que constituye una de las grandes canciones vocales de la saga.



4.- Operación Trueno (Thunderball, 1965): Terence Young volvería a dirigir a Sean Connery en la cuarta entrega de la saga de Bond, esta vez en formato Panavisión y con un cambio en el gunbarrel: esta vez es el propio Connery y no Bob Simmons quien aparece disparando a la cámara. Otra vez las siluetas femeninas son protagonistas -esta vez retozando bajo el agua cual gráciles sirenas- mientras Tom Jones interpreta el tema homónimo, de nuevo escrito por John Barry y Leslie Bricusse.


5.- Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice, 1967): Sean Connery repetía por quinta vez consecutiva como el agente 007 en una película dirigida esta vez por Lewis Gilbert. El marcado tono oriental del film queda patente en la intro, donde los créditos se superponen sobre imágenes de volcanes en erupción y señoritas japonesas, además de una recurrente wagasa -sombrilla tradicional japonesa- que está presente a lo largo de toda la intro. La canción homónima vuelve a ser obra de John Barry y la interpreta Nancy Sinatra.


6.- Al servicio secreto de Su Majestad (On Her Majesty's Secret Service, 1969): Peter R.Hunt dirigiría la sexta entrega de la saga y la primera sin Sean Connery, con un James Bond interpretado esta vez por George Lazenby en lo que resultó ser su única incursión en el universo del agente 007. En el nuevo gunbarrel creado para la ocasión, un parsimonioso Lazenby se arrodilla totalmente para disparar y la sangre que cubre el objetivo de la cámara es totalmente opaca y no ligeramente traslúcida como en los anteriores. Los títulos de crédito constituyen una amalgama de todo lo visto en anteriores secuencias: siluetas femeninas en la sombra, imágenes reales del film, vivos colores pero, eso sí, con una latente sensación de psicodelia y un ritmo musical más elevado y agresivo que en anteriores ocasiones. El tema musical inicial era obra, una vez más, de John Barry.


7.- Diamantes para la Eternidad (Diamonds Are Forever,1971): la séptima entrega de las aventuras de Bond supuso el retorno de Sean Connery al personaje y de Guy Hamilton a la dirección, tal y como ocurriera en la tercera entrega (Goldfinger). Con la vuelta de Connery se recurre de nuevo al segundo gunbarrel creado con el actor británico. En la secuencia de créditos vemos de nuevo las recurrentes siluetas femeninas tan características de la saga, compartiendo protagonismo con numerosas joyas repletas de diamantes engarzados -como no podía ser de otra manera- y junto a un gato blanco. El tema central volvía a estar compuesto por el maestro Barry e interpretado otra vez por la legendaria Shirley Bassey.


En la próxima entrega nos centraremos en la etapa comprendida entre 1973 y 1985, doce años a lo largo de los cuales se realizaron hasta siete films sobre James Bond y en los que Roger Moore fue el encargado de interpretar al famoso agente 007.

El Cosmonauta: primer tráiler...

En un par de ocasiones anteriores -diciembre de 2010 y marzo de 2011- os he hablado del proyecto que rodea a "El Cosmonauta", la primera película española con licencia Creative Commons y financiada mediante "crowdfunding" en la que tú mismo puedes ser productor o inversor de dicho proyecto. Además, el film será distribuido a través de internet, DVD, televisión y cine, al mismo tiempo. Hasta la fecha son 3757 los productores -entre los que me incluyo- y 502 los inversores, que han conseguido aportar 462.340 euros, una cantidad que supone el 54% de su presupuesto total.

AQUI teneís la web oficial en la que os pondreís al día de la situación de la iniciativa, y en este pdf encontrareís las claves del proyecto de una forma totalmente clara y meridiana. Ahora os dejo con el inquietante primer tráiler de una película que, si toda va por buen camino, será estrenada en los primeros meses del próximo 2012.




Blancanieves está de moda: trailers de "Mirror, Mirror" y "Snow White and the Huntsman"

Gana la Stewart por goleada...
Creo recordar que en más de una ocasión me he quejado amargamente en este blog de la escasez de ideas que se extiende como la pólvora en Hollywood, y esta entrada es toda una demostración de dicha esa falta de originalidad y de propuestas originales: el próximo 2012 se van a estrenar -con apenas un par de meses de diferencia- dos películas basadas en el célebre cuento de Blancanieves, de los hermanos Grimm.

La primera se titula Mirror, Mirror y llegará en marzo del 2012 de la mano del director Tarsem Singh, con Julia Roberts en el papel de la Reina Malvada, Lily Collins como Blancanieves y nuestro querido "spoiler-con-patas", el gran Sean Bean, será El Rey. La primera en la frente: el tráiler me recuerda horrores a cualquier producción de Bollywood y destila un aroma a comedia que no me gusta nada. Creo que si me atrevo a echarle un vistazo será por pura curiosidad y para realizar odiosas comparaciones...


El segundo film que revisionará tan famoso cuento es Blancanieves y la Leyenda del Cazador (Snow White and the Huntsman), dirigida por el debutante Rupert Sanders y con Kristen Stewart en el papel de Blancanieves, Charlize Theron como la Reina Malvada y Chris Hemsworth como El Cazador. El tono de esta película -que se estrena el 1 de junio del año que viene- es mucho más oscuro y tira más de épica y de seriedad que la otra película a la que se refiere esta entrada. Lo cierto es que ésta si que me llama la atención y ya sitúo desde ya en el apartado de "imprescindibles" para el año que viene. De paso, a ver si la Stewart despega de una vez como intérprete porque, a pesar de lo de Crepúsculo, no me parece mala actriz en absoluto. Y mira tú por donde, me resulta más creible que esta Blancanieves (Stewart) le haga sombra en cuanto a belleza a la Reina Malvada (Theron) que no el otro dúo del film anterior (Collins vs. Roberts). Lo dicho, el duelo está servido...


Parecidos Razonables (Carteles de Cine vol.3)





Es domingo, son casi las ocho de la tarde y en todas partes se habla de la jornada de elecciones generales que se celebra hoy, 20-N. ¿En todas partes? ¡No! En este blog no hay cabida para el esperpéntico toma y daca de los políticos. Aquí es la hora de hablar de cine, en especial de la similitud totalmente latente entre carteles y pósters de películas, tal y como ya lo hicimos en un par de entradas anteriores (AQUI y AQUI).

Y para empezar, nos remontamos a 1981, cuando John Glen dirigía Sólo para sus ojos (For Your Eyes Only), la duodécima entrega de la saga de James Bond, con Roger Moore en el papel del agente 007. El cartel de dicho film mostraba al señor Moore en la clásica pose de disparo del agente secreto enmarcado por las piernas de una señorita calzada con unos zapatos de tacón y armada con una ballesta. Más de veinte años después, en 2002, Transporter -dirigida por Louis Leterrier y Corey Yuen- se estrenaba poniendo a Jason Statham totalmente de moda entre las estrellas del cine de acción. Lo curioso es que el cartel francés del film mostraba a Statham en otra pose belicosa y también enmarcado por las piernas de una fémina, también sobre tacones pero esta vez armada con un par de armas de fuego. Está claro que el paralelismo es más que evidente...



Si echamos un vistazo a un par de films de terror recientes encontraremos también una enorme similitud digna de reseñar. Es el caso de los carteles de The Collector -dirigida por Marcos Dunstan en el 2009- y Blood Creek, que llegó en 2010 de la mano de Joel Schumacher. En ambos carteles vemos al villano de la función de espaldas y mostrando el cogote en actitud misteriosa y ocultando su rostro.

Y el punto y aparte de hoy lo pone una mención especial para una parte de la anatomía humana usada una y otra vez, con verdadera asiduidad, por parte de los artistas y diseñadores de carteles de cine: el ojo  humano, un icono recurrente que sigue apareciendo de vez en cuando como motivo central en los carteles de bastantes films. Y para muestra, un ojo, digoo, un botón:






The Expendables 2: póster repleto de viejas glorias...

El año pasado con Los Mercenarios (Sylvester Stallone, 2010) tuvimos la oportunidad de asistir a la reunión en pantalla de un buen puñado de viejas glorias del cine de acción de los años '80 y '90. Gente como  Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Mickey Rourke, Randy Couture, Steve Austin, Arnold Schwarzenegger, o Bruce Willis formaron parte de un sorprendente elenco que ofreció un cóctel explosivo a base de testosterona y pólvora. 

Como la cosa funcionó, el proceso para poner en marcha la segunda parte no tardó en arrancar y el estreno de The Expendables 2 (Los Mercenarios 2) está previsto para mediados de agosto del próximo 2012, con buena parte del reparto original y alguna que otra incorporación estelar, como la del mítico Chuck Norris y el recuperado Jean-Claude Van Damme. Esta vez la dirección pasa de las manos de Stallone a las de Simon West, director de la entretenida Con Air (1997), La Hija del General (1999) o Lara Croft: Tomb Raider (2001). La patada voladora de Chuck -todo un personaje que aparece orgulloso en el centro del primer póster del film- tendrá que esperar aún...

Sensaciones Extremas (Mick Garris) [Masters of Horror, temporada 1, episodio 5]


Título original: Chocolate
Año: 2005
Duración: 60 minutos
Dirección: Mick Garris
Guión: Mick Garris

Jamie es un hombre solitario, depresivo y divorciado que un día comienza a sentir los olores, sonidos y demás sentidos de una mujer que no conoce. Pensaba que divorciarse de su mujer era lo peor que le podía pasar, pero eso era antes de que una serie de experiencias inexplicables y paranormales destruyan su vida y le hagan preguntarse si no se ha vuelto loco...


Quinto episodio, emitido en su día el 25 de noviembre de 2005 en EE.UU, y una nueva decepción, esta vez de la mano de Mick Garris, padre de la serie y realizador fetiche y amigo personal de Stephen King, autor del que ha realizado numerosas adaptaciones de sus novelas, casi todas ellas en forma de miniserie para tv. Y aún así, a pesar de su dilatada trayectoria y de ser el creador e impulsor de la iniciativa, va el señor Garris y perpetra, sin duda alguna, el peor episodio de la temporada.

Este episodio no hace honor al nombre de la serie, y el horror brilla aquí por su ausencia. Lo que Garris nos presenta es un previsible thriller totalmente descafeinado con una ligera pátina de cine fantástico, algo de suspense detectivesco y un intento, vano e inútil, de introducir unas pinceladas de erotismo en la historia. Y eso que, a priori, la idea tenía potencial al plantear en su inicio una historia de almas gemelas que poco a poco se vuelve obsesiva hasta desembocar en un terrible sentimiento de frustración que derivara en asesinato. La cuestión es que la impersonalidad, la frialdad y la errática labor de dirección terminan por arruinar por completo el proyecto.


El protagonista está interpretado por Henry Thomas -el niño de E.T. el Extraterrestre (1982)- que hace lo que puede con el flojo guión, y la respuesta femenina la aporta Katharine Horsman, que interpreta a Sue, la chica cuyas sensaciones empieza a sentir de manera inexplicable Jamie, el protagonista.

No merece la pena seguir hablando de ello: episodio vacío y sin consistencia dramática: absolutamente nada en él despierta el interés, y resulta, sin duda, el episodio más aburrido y prescindible de toda esta primera temporada de Masters of Horror. Como alguien dijo una vez, es "una mierda como una catedral".


Attack the Block (Joe Cornish, 2011)

Título original: Attack the Block   Género: Terror, Ciencia Ficción
Duración: 85 minutos   País: Reino Unido
Dirección: Joe Cornish   Guión: Joe Cornish

El bloque de viviendas sociales de un suburbio del sur de Londres es el hogar de una pandilla de adolescentes problemáticos que una noche, tras la caida de un meteorito, acaban con la vida de una extraña criatura. Lo que los jóvenes desconocen es que se trata de una invasión alienígena en toda regla formada por criaturas letales que han elegido el peor lugar posible de Londres para iniciar su conquista.

Attack the Block supone el debut en la dirección de Joe Cornish -colega de Edgar Wright (Shaun of the Dead, 2004) y guionista de la reciente Las aventuras de´Tintín: El Secreto del Unicornio (2011)- y el resultado se traduce en una curiosa aportación al cine de invasiones alienígenas, alejado esta vez de grandilocuentes y mastodónticas operaciones orquestadas para invadir la Tierra a gran escala que siempre se centraban en territorio norteamericano. En esta ocasión, las criaturas extraterrestres aterrizan en el Viejo Continente -más concretamente en unos suburbios de Londres- y los encargados de expulsar a estos alienígenas a base de patadas en el culo son unos chicos un tanto problemáticos que pasan de robar y asaltar a transeúntes en las inmediaciones de su barrio a tener que salvar el mundo de los súbitos invasores del espacio exterior.


El film viene de cosechar una extensa lista de críticas positivas y hasta de conseguir el premio de la Crítica, el del Público, mejor Banda Sonora y Mención Especial del Jurado en el reciente Festival de Sitges 2011 y, a pesar de ello, no me ha parecido un film digno de toda esa retahíla de elogios ni tan destacable, original y divertido como muchos lo califican. No cabe duda de que se trata de una propuesta resultona a nivel visual dado su reducido presupuesto -8 millones de libras- y que intenta enfocar el género de las invasiones extraterrestres bajo un prisma diferente y no tan manido, pero la innovación no es tan determinante y cuando tratan de introducir cierta crítica a la sociedad actual se quedan en lo dicho: en el intento. 


El desarrollo es típico, tópico por momentos y, en ocasiones, bastante pueril. El intento de situar al espectador en la vicisitud de tener que posicionarse del lado de los extraterrestres o de los chicos malos de barrio queda desmontado a las primeras de cambio -yo prefiero mil veces a los bicharracos del espacio exterior antes que a la panda de ninis protagonista- y, además, ninguno de los personajes hacen gala de una personalidad destacable ni muestran un carisma desbordante, a excepción de Moses, personaje a cargo de un John Boyega que ofrece la mejor interpretación del fim. En el lado opuesto tenemos a Nick Frost con un rol totalmente secundario, prescindible y que no aporta nada a la historia más que el nombre para servir como reclamo comercial a la hora de captar espectadores. También habría que comentar un guión que cuenta con algunos momentos realmente forzados y situaciones resueltas de manera apresurada y superficial.

Tampoco es que cuente con unos efectos especiales espectaculares, aunque si cumplidores y efectivos si tenemos en cuenta el presupuesto. Donde más se nota la austeridad es en el diseño simple de las criaturas, una especie de perros o monos del espacio negros como la boca del lobo y con una dentadura fluorescente, pero sin el cerebro ni la mala baba necesaria para poner en mayores aprietos al grupúsculo adolescente protagonista. Originales son, no cabe duda, pero bastante inocentes también, y hubiera dado mucho más juego "humanizar" a estas criaturas y dotarlas de algo más de inteligencia para concebir un enemigo mucho más potente.

Si tenemos en cuenta que en esta historia el terror brilla por su ausencia y la ciencia ficción apenas está representada por las criaturas extraterrestres, nos queda un film entusiasta para adolescentes con algo de acción y mucha aventura. En cuanto a su capacidad para entretener, no cabe duda de que es un film voluntarioso, pero tengo que reconocer que la tuve que ver en varias partes porque me aburría soberanamente. Sinceramente, película para pasar el rato sin más. 


The Lords of Salem: novedades en el casting, póster e imágenes del rodaje...

Los que sigaís al bueno de Rob Zombie en su página oficial de Facebook estareís al corriente de las novedades que van surgiendo en el rodaje de su próxima película, The Lords of Salem, cuyo rodaje comenzó el pasado 17 de octubre. Si no es así, ya os las transmito yo, que me declaro fan incondicional de él y de su obra. En esta otra entrada dábamos un repaso al casting inicial y a la sinopsis del film, y ahora es el turno de presentar a los que se han ido incorporando durante estos días al rodaje. 




















Sid Haig  vuelve a repetir bajo la batuta de Rob Zombie después de que interpretara al Capitán Spaulding en La Casa de los 1000 Cadáveres (2003) y el Los Renegados del Diablo (2005), donde también intervino Michael Berryman, otro que repite en esta ocasión. Dos actrices británicas veteranas se incorporan también: una es Patricia Quinn, famosa por dar vida a Magenta, la criada de The Rocky Horror Picture Show (1975), y la otra es Judy Geeson, un rostro habitual en el mundo del cine y la televisión desde que comenzara su carrera allá por los tempranos años '60. Otro veterano que se suma al reparto es Bruce Davison. Y el último en sumarse al rodaje, hasta la fecha, es Christopher Knight, famoso por interpretar a Peter Brady en la serie La Tribu de los Brady (1969-1974).


Además, ya empiezan a filtrarse imágenes del rodaje, como la inquietante imagen que teneís sobre estas líneas, en las que la figura de una cabra se recorta en una especie de bosque apenas iluminado. Eso puede darnos cierta idea de por dónde irán los tiros en la nueva película de Rob. Aunque yo la imagen que encuentro realmente inquietante es con la que os voy a dejar a continuación, en la que aparecen dos actores del film junto a Rob Zombie. Uno es Bruce Davison, y la otra es Maria Conchita Alonso -la actriz mitad cubana, mitad venezolana, que dijo haber enseñado a besar al mismísimo Schwarzenegger-, cuyo rostro denota cierta asiduidad al quirófano. No hay más que fijarse en el acartonamiento de su cara y en el hecho de que parece mucho más joven en este año 2011 que en 1987 cuando interpretó Perseguido.

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Spartacus: Gods of the Arena


Después del tremendo éxito de la serie Spartacus: Blood and Sand, la cadena Starz no dudó en ponerse manos a la obra con una segunda temporada que continuara narrando los acontecimientos desatados por Spartacus y los suyos en la primera temporada. Pero, como todos sabeís, al protagonista principal Andy Whitfield le fue detectado un linfoma no-Hodgkin que le apartó del rodaje, primero momentáneamente y luego de forma definitiva hasta que apenas dieciocho meses después de serle detectada la enfermedad falleció dejando un vacío en la serie difícil de llenar, responsabilidad que va a recaer en Liam McIntyre. La cuestión es que mientras Whitfield luchaba contra el cáncer con la esperanza de recuperarse, la cadena Starz intentó ganar tiempo hasta la completa recuperación del actor creando una especie de precuela de seis episodios.que mostrara hechos acontencidos antes de lo visto en la primera temporada.


Así, Spartacus: Gods of the Arena nos cuenta los primeros pasos de Batiatus al frente del ludus, haciéndose cargo de manera momentánea mientras su padre se recupera de una enfermedad crónica lejos de Capua. Ya conocemos a Batiatus: sabemos que es un hombre ambicioso y que no se conformará con dirigir el ludus de su padre mientras éste se encuentra ausente. Busca la gloria y ansia como nadie el protagonismo, y junto a Lucretia no dudará en hacer cuanto esté en su mano para conseguir sus propósitos y situar el ludus que ahora regenta hasta la elevada posición de la que fuimos testigos en Blood and Sand. John Hannah vuelve a interpretar con maestría a Quintus Lentulus Batiatus, bordando en esta ocasión la enorme evolución que sufre su personaje desde cierto posicionamiento pusilánime inicial hasta convertirse en el enorme hijo de puta que vimos en la primera temporada. De Lucy Lawless poco que contar: sigue igual de maravillosa en su papel de Lucretia, la mala malísima que maneja los hilos a su antojo.


En esta ocasión es el galdiador celta Gannicus, interpretado por Dustin Clare, el gran protagonista tanto dentro como fuera de la arena. Con privilegios que el resto de gladiadores apenas alcanzan a imaginar, Gannicus también evoluciona y pasa de ser un gladiador despreocupado y descarado a una persona con escaso apego a la vida y una dramática situación a sus espaldas. Manu Bennett vuelve a dar vida a Crixus el galo, que en esta ocasión es un recién llegado que poco a poco irá escalando posiciones en el ludus hasta convertirse en el Campeón de Capua, tal y como pudimos ver en la primera temporada.

Además, nos encontraremos con caras nuevas y también con rostros conocidos, como el de Oenomaus -Peter Mensah- y su ascenso desde gladiador hasta sustituir al anterior Doctore, además de su dramática historia de amor con la esclava Melitta -Marisa Ramirez-; seremos testigos de cómo Solonius -Craig Walsh-Wrightson- deja de ser amigo de Batiatus y sus motivos; y veremos cómo se lesiona Ashur -Nick Tarabay-  hasta el punto de ser apartado de la arena para convertirse en un simple esbirro al servicio de las intrigas palaciegas...

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Batiatus, Lucretia, Tullius, Solonius, Gannicus, Ashur, Crixus, Doctore, Barca, Oenomaus, Gaia y Melitta
Totalmente recomendable tanto si has visto la temporada inicial -la ya mencionada Spartacus: Blood & Sand- como si te acercas por vez primera a este universo de luchas a muerte en la arena, intrigas palaciegas, traiciones, intensas y complejas relaciones entre personajes y, como ocurría en la temporada anterior, ingentes cantidades de sangre, vísceras y sexo. Con un ritmo que va totalmente in crescendo desde el arranque hasta el sangriento y brillante desenlace -impresionante tanto a nivel visual y emocional- que me dejó un sensacional sabor de boca y unas ganas tremendas de que la tercera temporada, titulada Spartacus: Vengeance, se estrene a finales de enero del próximo 2012. Sin duda alguna, esta precuela de seis episodios ha resultado ser un entretenimiento difícil de superar aunque, eso siempre, con Andy Whitfield en el recuerdo. Os dejo con el trailer de la próxima temporada para ir abriendo boca...








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